SUNSET BLVD – Amour

Uno de los directores más fríos del panorama cinematográfico actual, Michael Haneke, se atreve a tratar el Amour en su último film. Ahora bien, el director austríaco no se le ablanda el corazón y no abandona para nada su estilo para dibujar un duro y bello retrato del amor en el ocaso de la vida. Una nueva obra de arte del multi-premiado Haneke que ha arrasado (y aún arrasará ) por todas las alfombras rojas que se ha proyectado.

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Un poco de Amour…

George y Anne son una pareja de ancianos burgueses afincados en París. Ambos habían sido músicos y ahora disfrutan de una relajada y acomoda vida hasta que un día Anne sufre un infarto que le paraliza a mitad de su cuerpo. Anne, ya en casa y en silla de ruedas, le hará prometer a su marido que pase lo que pase no le hará volver a un hospital. George cumple su promesa y cuida de su esposa mientras ve que su enfermedad no cesa y la convierte en alguien irreconocible a quién era.

Amour empieza con el viaje de esta pareja de entrañables ancianos hasta un concierto de música clásica de un antiguo alumno suyo. Una excelente primera secuencia en la que se plasma la rutina alterada de un pareja de ancianos de clase alta y de refinados gustos. A la mañana siguiente la vida de ambos cambiará para siempre en una situación tan azarosa y natural como un desayuno. El curso de la vida, reflejado con la metáfora del grifo en la que Anne tendrá su primer brote de alzheimer, alcanzará a uno de sus protagonistas para ya no dejarlo.

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En la primera etapa del film, Haneke se centrará en Anne, quién ha quedado anclada a una silla de ruedas y paralizada de todo el lado derecho. Anne obviará los excesivos cuidados de su marido y luchará con todas sus fuerzas para demostrarse que aún es auto-suficiente y no es una personada discapacitada. El director aprovechará la extensa duración de sus planos (otro de sus sellos como realizador) parar transmitir el agobio y frustración de quién ya no puede realizar simples tareas como leer un libro antes de ir a dormir.

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En la segunda etapa del film, en la que Anne ya se encuentra en un estado prácticamente vegetativo, Haneke trasladará el peso hacia su marido. El personaje de George se tornará en un personaje aún más complejo, ya que además de sufrir el desagradable proceso degenerativo de su ser más querido, le hará ver su propio rumbo. George verá su destino reflejado en el de su esposa, le hará pensar en la muerte y en la inclemente forma en la que el curso de la vida también le alcanzará. Poco a poco su esposa se tornará en una sombra de lo que fuera y se convertirá en una infatigable y constante carga. Además, George también tendrá que hacer frente a la encrucijada de velar por la dignidad de su esposa, encarándose con las cuidadoras para que la sigan tratando con el respeto que se merece o, con una actitud menos acertada, evitando que su hija vea a su madre en un estado tan lastimoso.

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El ocaso de la vida de Anne se complementa con largas escenas de George observando el ocaso del día en el salón e imaginado a su esposa tocar el piano. Haneke metaforiza la muerte con una paloma blanca que entra por la ventana. La primera vez que la paloma se adentra en el precioso piso en el que viven, George la ahuyenta rápidamente, evitando que la paloma se pose encima de su ya debilitada mujer. La segunda y última vez que aparece, George, después de una larga toma en secuencia, atrapa la paloma con una chaqueta. De esta forma George asume el destino de su mujer y el suyo.

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Un poco más de Amour…

La primera capa de esta compleja película es un duro retrato de la muerte y la vejez. Alguien podría preguntarse que tiene de amor este film y la respuesta sería todo lo que no sale en el film. Haneke ha logrado convertir una de las técnicas cinematográficas más usadas en su filmografía, el fuera campo, en la piedra angular de su historia.

(ejemplo de el fuera campo en uno de sus films: Benny’s Video)

La belleza de este film, a pesar de su aparente dureza, es el aroma que desprende la vida que han compartido esta pareja de ancianos. En una sola escena inicial en la que se retrata un día normal de sus vida de jubilados, se palpa una vida de felicidad, ternura y amor. Todo el film no es más que una última prueba de amor de dos personas que han compartido toda una vida. La sensibilidad con que George acaricia las sonrojadas mejillas de Anne justo después de un primer brote senil, resume la sensibilidad que desprende la pareja interpretada de forma sublime por Jean – Louis Trintignant y Emmanuelle Riva.

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Michel Haneke ha logrado hacer un film realmente lírico y sensible envuelto magistralmente por su habitual capa gélida y sórdida. No le ha echo falta desmarcarse completamente de su estilo perturbador y austero, como le paso a David Lynch con The Straight Story, para demostrar que también puede hacer cine sensible y emotivo. Una obra compleja y compacta, con su trazo contemporáneo y transgresor pero con una esencia totalmente clásica.

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Un poco de Haneke…

Michel Haneke es uno de los directores contemporáneos más respetados en Europa. Con un palmarés envidiable, casi todas sus películas tienen algún premio de prestigio. El éxito le llegó tarde ya que su primer film, El séptimo continente, no vio la luz hasta que el realizador estuvo ya entrado en los cincuenta.

El estilo austero del director austríaco es uno de sus rasgos más característicos como realizador, minimizando los movimientos de cámara, dándole una extensa duración a sus planos y no usando música extradiegética (que no provenga de la propia historia). La cámara bajo las manos de Haneke se vuelve un observador penetrante y perturbador que recuerda al estilo de otros cineastas coetáneos como David Lynch. A menudo lo más perverso es justamente lo que la cámara no capta pero que el espectador sabe que está ocurriendo, dejando que su imaginación lo conduzca hasta los extremos más oscuros de su psique.

La meticulosidad de Haneke le ha valido para introducirse en el mercado norteamericano copiando plano a plano una de sus películas: Funny Games de 1998. Los dos films son idénticos exceptuando a sus actores, en los que en la versión americana de 2008 estuvieron protagonizados por Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt.

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En este (estos) film se puede apreciar las temática recurrentes en su filmografía: la violencia, el impacto de la televisión y los mass media en la sociedad y la crítica a las sociedades asentadas burguesas en el siglo XXI.

Su último film antes de Amour, fue la aclamadísima La cinta Blanca ganadora también de la Palma de Oro en Cannes en la que plasma el latente ambiente de violencia y odio en la sociedad alemana de principios de siglo XX antes de estallar la primera Guerra Mundial.

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